Rogue One

(2016) EE.UU.
DIRECCIÓN Gareth Edwards
GUION Chris Weitz y Tony Gilroy, historia de John Knoll y Gary Whitta
FOTOGRAFÍA Greig Fraser
MÚSICA Michael Giacchino
REPARTO Felicity Jones, Diego Luna, Mads Mikkelsen, Alan Tudyk, Donnie Yen, Wen Jiang, Ben Mendelsohn, Forest Whitaker, Riz Ahmed, James Earl Jones

Rebeldes

“Los espías rebeldes lograron robar los planos secretos del arma más extrema del imperio, la Estrella de la Muerte, una estación espacial blindada con suficiente potencia para destruir un planeta entero”. Esta frase en el famoso texto en letras amarillas que se perdía en el espacio en el arranque de la primera película de Star Wars (el Episodio IV) aludía a lo que podía ser un capítulo tan motivante como trágico dentro de esta epopeya espacial. Como es sabido, Disney compró a George Lucas los derechos de la saga, con los que no solo continuó los episodios canónicos numerados que narran la historia de los Skywalker (de los que hemos visto ya el VII, amado y odiado, y esperamos el VIII en un año) sino que decidió explorar otras tramas del universo expandido empezando por esta aventura; una decisión que ha resultado enormemente afortunada.

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Esta es, pues, la historia —cronológicamente justo antes del Episodio IV— de un comando de la Alianza Rebelde que se dispone a robar los planos de la Estrella de la Muerte. Una gesta crucial, a la que había que añadirle trama, y así Star Wars nos plantea de nuevo un drama familiar, esta vez con Jyn Erso (Felicity Jones), cuyo padre (Mads Mikkelsen) fue obligado por el Imperio para diseñar la famosa arma. Buscando a Erso padre, da con Jyn el Capitán Cassian Andor (Diego Luna, viva México) y se les unen un improvisado grupo de valientes (incluyendo, por supuesto, un droide y este con poco tacto social: K-2SO) que terminarán siendo el comando Rogue One que debe robar los planos.

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Estamos ante personajes no tan icónicos, por supuesto, como Luke, Leia o Han Solo; ni tan complejos como Rey, Flyn o Kylo Ren, diseñados para durar varias películas. Sin embargo, la película funciona muy bien, con un ritmo que, si es algo inconsistente en el arranque, se resarce con un tercer acto que es de lo mejor que hemos visto en la saga en términos de acción; no por nada se eligió a Gareth Edwards (Godzilla, 2014) como director de esta entrega.

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La relación con los episodios canónicos es bastante equilibrada: sin alterar la trama ya conocida, es presentada con el subtítulo de “Una historia de Star Wars”, y no abre con las famosas letras amarillas ni el mítico tema musical de John Williams. De hecho, el veterano no ha compuesto la música de esta película, mas el oscarizado Michael Giacchino hace un gran trabajo con temas originales pero que aluden al tan familiar universo musical de Star Wars. A la vez, los homenajes están ahí, como la aparición de Grand Moff Tarkin (recreado digitalmente, pues Peter Cushing falleció en 1994 y hoy tendría 103 años), un simpático cameo de R2-D2 y C3PO o la intervención de uno de los villanos más icónicos de la historia del cine: Darth Vader, de lo mejor del filme.

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En fin, todo indica que hay Star Wars para rato, y si bien la situación política actual nos hace volver a hablar de rebeldes y de imperios, está claro que lo que nos sigue atrapando son los temas atemporales como los conflictos familiares o la fe en esa ayuda sobrenatural benevolente a la que se sigue acudiendo con esperanza: “Que la Fuerza te acompañe”.

Juan Carlos Carrillo Cal y Mayor

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Sully

(2016) EE.UU.
DIRECCIÓN Clint Eastwood
GUION Todd Komarnicki basado en el libro de Chesley Sullenberg y Jeffrey Zaslow
FOTOGRAFÍA Tom Stern
MÚSICA Christian Jacob y Tierney Sutton Band
REPARTO Tom Kanks, Aaron Eckhart, Laura Linney, Valerie Mahaffey, Mike O’Malley, Anna Gunn

El heroísmo de la profesionalidad

Las escenas del avión que acuatizó en el río Hudson en enero del 2009 evitando lo que hubiera sido un trágico accidente en plena ciudad de Nueva York, dieron la vuelta al mundo. Pronto los medios hicieron del capitán, Chesley Sullenberg: “Sully”, un auténtico héroe. Y la notoriedad del evento daba bastante pie a una adaptación cinematográfica.

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A la fama del hecho histórico se sumó la del talento involucrado. Qué duda cabe de que Tom Hanks era el actor indicado para encarnar a Sully. Y aun siendo un casting tan predecible en ese sentido —Hanks es el prototipo del héroe ordinario americano, ya interpretó al piloto del cohete Apolo 13 y, hace poco, al Capitán Philips en la cinta homónima, un personaje conceptualmente parecido a Sully— eso no quita que su actuación sea insuperable, pues tiene esa capacidad de meterte en la historia y en el personaje a los pocos minutos. Pero lo que da el tono decisivo es la dirección de Clint Eastwood, ese icónico rostro del spaguetti western y de la dureza masculina, hoy ya consagrado como un director excepcional (de Mystic RiverGran Torino, de Jersey Boys a American Sniper). Y no digamos si decide filmar todo a través del ojo lucidor de la cámara ALEXA IMAX de 65mm.

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El reto estaba en que el percance en sí apenas duró unos minutos —el despegue, la colisión con una bandada de pájaros que avería las dos turbinas y el necesario acuatizaje; de hecho es la escasez de tiempo para volver al aeropuerto lo que propicia la hazaña—, insuficientes para un largometraje. Así que el guion de Todd Komarnicki se centró en el menos conocido conflicto posterior: el juicio realizado al Capitán Sully por la Junta Nacional de Seguridad del Transporte (NTSB, por sus siglas en inglés) sobre si su acuatizaje fue responsable o no, lo que podría significar el fin de su carrera. Con todo, Eastwood consigue un ritmo atrapante, mientras nos introduce en el conflicto de este hombre ordinario a la vez que los intermitentes flashbacks van estirando de un modo cada vez más prolijo los impactantes minutos del accidente y el rescate.

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El resultado es la historia de un hombre ordinario, cuya característica principal es ser profesional en lo que hace. Y eso en un piloto puede implicar salvar 155 vidas, por saber tomar la decisión correcta fruto de años de preparación y experiencia. Sobriamente, sin mayor glorificación pero dando honor a quien honor merece, la película cumple de sobra. Ojalá cale que trabajar bien es lo propio del héroe ordinario, aunque no siempre tenga la ocasión de una gran hazaña, como la que Sully nunca pidió pero que supo resolver gracias justamente a esos años de trabajo oculto.

Juan Carlos Carrillo Cal y Mayor

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Swiss Army Man

(2016) EE.UU.
DIRECCIÓN Y GUION Dan Kwan y Daniel Scheinert
FOTOGRAFÍA Larkin Seiple
MÚSICA Andy Hull, Robert McDowell
REPARTO Paul Dano, Daniel Radcliffe, Mary Elizabeth Winstead

Amigo cadáver

Si tomamos una de las premisas más absurdas de la historia del cine (en su inicio era, de hecho, una broma para ver cómo reaccionaban algunos productores), le sumamos efectos increíbles, una gran dosis de absurdo y humor escatológico, música indie muy animante, dos talentosos actores de moda y un mensaje lo suficientemente poderoso y universal para cohesionar todo eso, tenemos Swiss Army Man, una de las películas más sorprendentes (para bien o para mal) del año.

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Los artífices de semejante audacia son conocidos con el nombre artístico de “DANIELS” a secas. Tocayos e inseparables colaboradores, Dan Kwan y Daniel Scheinert se han forjado una breve pero consolidada experiencia en el mundo del cortometraje y del videoclip musical. Todo siempre en esta mezcla de lo absurdo, lo transgresor y desafiante, con elaborados efectos y atractiva música, lo que ha configurado su estilo propio.

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La premisa absurda es un náufrago (Paul Dano) en una isla desierta que está a punto de ahorcarse cuando aparece un cadáver (Daniel Radcliffe, sí, Harry Potter) que lo salvará, ¿cómo? El protagonista descubre todas las utilidades de este hombre-navaja-suiza que da nombre a la película: utilizar sus flatulencias (su rasgo distintivo) como propulsores o para encender fuego, su boca como escopeta, sus brazos como si fuera una figura de acción para partir madera; también es brújula (me ahorro los detalles) y un largo etcétera. Por supuesto, el cadáver “habla”, pero no es un zombie ni mucho menos. Es eso, un cadáver que interactúa. Es muy absurdo y esa es la idea.

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Ahora bien, si esto no quedó en mero material para el enorme archivo fílmico del absurdo (desde las cintas gore de Peter Jackson en los 80’s hasta los Don’t Hug Me I’m Scared y videos similares en internet) sino que fue premiado en el Festival de Sundance y tuvo una taquilla bastante decente, es en mi opinión por dos motivos fundamentales: la fama de los dos actores protagonistas y una factura tan lograda que parece insistir en que la película sí quiere decir algo. Con la factura lograda me refiero, en primer lugar, a la bella fotografía y el diseño de producción, con una viva paleta de colores que utiliza los elementos del bosque y de un montón de basura con la que los personajes recrean todo tipo de situaciones; después, a los efectos visuales, que los DANIELS manejan ya en sus videos previos, y que siendo absurdos al menos no se ven improvisados; finalmente, a la estupenda banda sonora, a cargo de la banda indie Manchester Orchestra que compuso casi toda la música a capella, con momentos tan especiales como el tributo al tema musical de Jurassic Park o las propias intervenciones musicales de Dano y Radcliffe.

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Y así, parece que la película sí dice algo. Tiene corazón. Y esa es la cereza del pastel, que hace de los DANIELS verdaderos narradores y no solo un par de locos. Lo que dice puede tener todo tipo de lecturas: desde que el cadáver es una proyección del interior del protagonista, hasta que estamos ante un loco en cuya mente sucede todo esto. Pervive, sin embargo, un mensaje de autenticidad, de amistad y de encontrarse con uno mismo; aunque advertimos que no es un mensaje lo suficientemente poderoso para perdonar todo el absurdo y el mal gusto que hay de por medio, si a uno no le gustan ese tipo de cosas. Pero por lo que se ve, a mucha gente sí.

 

Juan Carlos Carrillo Cal y Mayor

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Captain Fantastic

(2016) EE.UU.
DIRECCIÓN Y GUION Matt Ross
FOTOGRAFÍA Stéphane Fontaine
MÚSICA Alex Somers
REPARTO Viggo Mortensen, Frank Langella, George MacKay, Samantha Isler, Steve Zahn, Kathryn Hahn

Educación salvaje

Ben (Viggo Mortensen) cría a sus seis hijos en medio de un bosque en los Estados Unidos, con una exigente preparación física y una visión hipercrítica de la sociedad occidental que lo rodea. Una peculiar formación ideada por Ben y su esposa, a la que nunca vemos en pantalla pues su suicidio es el incidente incitador que dispara toda la trama. A pesar de la advertencia de su suegro (Frank Langella), enemigo del estilo de vida hippie en el que Ben cría a los suyos, la peculiar familia se dispone a asistir al funeral de la madre a toda costa.

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Esta película, escrita y dirigida por el actor Matt Ross –cuyo único proyecto detrás de cámara había sido 28 Hotel Rooms– se antojaba una película inspiradora e interesante. Desde el atractivo título (aunque resulta no estar sembrado en la trama); el viaje familiar en peculiar autobús-caravana a lo Little Miss Sunshine; el look excéntrico y colorido de Ben y sus hijos entrando al funeral lleno de gente seria vestida de negro; la crítica a la sociedad superficial y un protagónico de Viggo Mortensen, todo ello prometía mucho.

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Y lamentablemente el resultado no es lo suficientemente inteligente. Pronto se simplifican los enfoques, y todos los que no piensan como Ben y su difunta esposa son ridiculizados, pintando diferencias en blancos y negros, sin grises. Si bien la propia trama parece concluir que el estilo educativo de esta familia no es el adecuado, se insiste en elogiar una libertad un tanto atropellada que llega a rozar lo aberrante (la resolución de la última voluntad de la difunta madre es el más claro ejemplo).

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La realización es correcta, desde la fotografía que resalta la intensa paleta de colores hasta el ritmo narrativo, y emocionan secuencias muy bien logradas como las interpretaciones musicales de la familia –sobre todo el animante cover de Sweet Child O’ Mine de Guns N’ Roses–, parte de una banda sonora bastante conseguida. De nuevo, elementos fabulosos al servicio de un mensaje un poco trasnochado. Y es que ser rebelde está muy bien pero si tiene un sentido serlo, y corren tiempos en los que ante todo hay que comprender al otro, cosa que los héroes de este viaje no hacen en absoluto, todo en nombre de la autenticidad y el derecho a disentir. Una película que si bien subraya la importancia de la unión familiar y el cariño de un padre por sus hijos, olvida de fondo que lo que nutre el siempre apetitoso platillo de la libertad es el ingrediente de la responsabilidad.

Juan Carlos Carrillo Cal y Mayor

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Anomalisa

(2015) EE.UU.
DIRECCIÓN Charlie Kaufman, Duke Johnson
GUION Charlie Kaufman
FOTOGRAFÍA Joe Passarelli
MÚSICA Carter Burwell
REPARTO David Thewlis, Jennifer Jason Leigh, Tom Noonan

Muñecos con vacío existencial

El esperado regreso de Charlie Kaufman prometía mucho, más cuando se supo que el oscarizado escritor de Being John Malkovich, Adaptation y Eternal Sunshine of the Spotless Mind, volvía con una historia que también dirigiría –como la compleja y genial Synecdoche, New York– y que sería una película animada con técnica stop motion. Sin embargo, la historia del vacío emocional del conferencista y experto en servicio al cliente, Michael Stone (voz de David Thewlis), y cómo este vacío es llenado fugazmente por un encuentro anómalo con Lisa Hesselman (voz de Jennifer Jason Leigh) –de ahí el juego de palabras del título–deja bastante que desear.

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Con todo, la animación está bastante lograda –hay mucho trabajo detrás de un largometraje en stop motion y la película la codirige Duke Johnson como experto en esa técnica de animación– e incluso fue reconocida con una nominación al Oscar como mejor película animada: más por la técnica que por la historia, seguramente. Desde luego el rostro del protagonista consigue transmitir expresiones y emociones auténticamente humanas. También es interesante la idea de que todos los personajes fuera de Michael y Lisa tengan el mismo rostro inexpresivo y la misma voz (de Tom Noonan), y eso magnifica el efecto de que él encuentra en ella a alguien especial, aunque también genera una sensación bizarra que distrae de la trama emocional cuando los que tienen esta voz son personajes femeninos o niños.

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Estamos aquí lejos de la complejidad habitual de Kaufman, y la historia se queda con tan poca trama que llega a aburrir bastante (se ha dicho que hubiera funcionado más como cortometraje). Si a esto se le suma la larga y torpe escena de sexo explícito (con muñecos animados, así es) que le valió ser clasificada como solo para adultos, se entiende la decepción de todo el conjunto. El propio Kaufman lo ha reconocido y él mismo echa de menos sus buenos tiempos. Desde luego ya ha demostrado que sabe hacer lo suyo y estaremos esperando a que la musa lo visite pero con más originales anomalías.

Juan Carlos Carrillo Cal y Mayor

Todos los datos de Anomalisa