Palomitas caramelizadas

(2020) EE.UU.
DIRECCIÓN Antonio Campos
GUION Antonio Campos y Paulo Campos basada en la novela de Donald Ray Pollock
FOTOGRAFÍA Lol Crawley
MÚSICA Danny Bensi y Saunder Jurriaans
REPARTO Tom Holland, Eliza Scanlen, Robert Pattinson, Bill Skarsgård, Sebastian Stan, Jason Clarke, Riley Keough, Mia Wasikowska, Harry Melling, Haley Bennett, Donald Ray Pollock

Maldad sin matiz

El sur rural de West Virginia y Ohio, a mediados del siglo pasado. Una serie de personajes siniestros y circunstancias terribles rodean la infancia y juventud de Arvin (Tom Holland), quien intenta imponerse a la continua miseria que genera una comunidad protestante, hipócrita y llena de tragedias. Predicadores, veteranos de guerra traumados, policías corruptos y hasta morbosos asesinos en serie, todos desfilan en un elenco de episodios breves que no llegan a desarrollarse del todo.

El neoyorquino Antonio Campos adapta y dirige esta novela de Donald Ray Pollock (quien también funge como el narrador, y lo hace bastante bien) que es esencialmente maniquea. Los personajes son planos: los malos son siempre y en todo malos, y los buenos siempre y en todo buenos. Otra distinción es por la religión, omnipresente en la trama: todo el que cree en Dios es un malvado redomado, un estúpido sin remedio, o ambas. Un reparto de primer categoría termina desaprovechándose —con todo y sus logrados acentos sureños— ya sea porque, como Holland, no da notas distintas a su papel de chico bueno simpático (por más cara seria que pone), o por la poca profundidad de los personajes (el reverendo malvado que es Robert Pattinson, o el policía básico que es Sebastian Stan), o por el poco tiempo en pantalla (es el caso de Haley Bennet o Mia Wasikowska, cuyo nombre en el cartel es un puro truco de mercadotecnia, pues no llegan a los diez minutos en pantalla).

Aunque se buscan ciertos juegos del relato con el tiempo, la narrativa es tan poco sutil que termina por abusar de la figura del narrador, recurso fácil para que el espectador empatice con un protagonista reactivo y sin profundidad. En fin, se agradece que a pesar de la temática la película no sea tan explícita, pues realmente se nos ahorra mucho del morbo en el que al parecer la novela se recrea ampliamente. No puedo no compararla con una película de temática y ambientación similar, Tres anuncios en las afueras, que supo manejar también temas sórdidos pero con personajes interesantísimos y una trama nada predecible, lo que le daba un fondo que decía algo, siguiendo los pasos de la escritora Flannery O’Connor, quien vivió siempre en este ambiente sureño de posguerra en Estados Unidos y que lo retrato de modo grotesco, pero buscando siempre ese fondo real y humano que nos diga algo, y no solo lo sórdido por lo sórdido.

(2020) EE.UU.
DIRECCIÓN Charlie Kaufman
GUION Charlie Kaufman basado en la novela de Iain Reid
FOTOGRAFÍA Lukasz Zal
MÚSICA Jay Wadley
REPARTO Jessie Buckley, Jesse Plemons, Toni Collette, David Thewlis, Guy Boyd, Abby Quinn, Hadley Robinson, Gus Birney, Colby Minifie

Nieve con sabor original

Quien busque algo distinto en el cine, sabe que siempre puede encontrarlo en el trabajo de Charlie Kaufman. Sin duda genio —para muchos incomprendido— el guionista y director (en ese orden) estadounidense ha tenido más o menos éxito, pero nunca deja indiferente. Ya sea en colaboración con los directores Spike Jonze (Being John Malkovich, Adaptation.) o Michel Gondry (Eternal Sunshine of the Spotless Mind, por la que ganó el Óscar), o dirigiendo él, como hizo en la genial Synecdoche, New York y —tras varios años de desaparición y bloqueo creativo— en la muy flojita Anomalisa, una incursión en la animación que dejó mucho que desear. Ahora retoma fuelle y auspiciado por Netflix adapta una compleja novela reciente creando un película muy fuera de lo común.

Nieva. Una mujer viaja con su novio al campo para conocer a los padres de él. Sin embargo, no está muy segura del futuro de esa relación. “I’m thinking of ending things”, repite su voz en off continuamente. “Pienso terminar con esto”. Esa es la premisa y poco más hay que decir de la historia. Solo que todo se va a desenvolver del modo menos pensado, no porque haya un giro inesperado de trama, sino porque Kaufman rompe todas las convenciones del audiovisual: de raccord, de estructura dramática, de desarrollo de los personajes, de lógica narrativa (de lógica en general). Y eso es lo que hace que esta película sea una gran experiencia, pero sí hay que ir advertido de ver algo muy extraño. Por supuesto que tiene un sentido; quien conozca la novela lo sabrá, o quien sea perspicaz con las escenas paralelas de un viejo conserje de un colegio que se van insertando.

Lo mejor es que el filme de Kaufman no se queda en un experimento pretencioso y aburrido, sino que está lleno de tensión dramática (reforzada musicalmente), con imágenes de mucha belleza —la fotografía está a cargo del polaco Lukasz Zal, director de fotografía nada menos que de Ida y de Cold War, esas maravillas de Pawel Pawilokski por las que fue nominado al Óscar (seguramente le debemos a él la relación de aspecto 4:3 de esta película)—, pero también mucho humor así como un rico despliegue de intertextualidades: el musical Oklahoma; la película A Woman Under the Influence de Cassavetes, y también A Beautiful Mind; un crédito loco de Robert Zemeckis; los ensayos de David Foster Wallace y de Guy Debord; la poesía de William Wordsworth o un demoledor poema de Eva H.D., amiga de Kaufman. Por decir solo algunas.

Y quienes más sostienen este juego con Kaufman —este baile, podríamos decir, y no solo por los preciosos cinco minutos de ballet clásico que incluye— son desde luego los actores. Este es el despegue definitivo de Jessie Buckley, a quien habíamos visto en un papel secundario en la mini-serie Chernobyl de HBO, y quien lleva al espectador de la mano a este absurdo viaje. Jesse Plemons es ideal para interpretar a su novio, gris, irritante, aburrido y a la vez enigmático. Pero los que se llevan las palmas son dos grandes: Toni Collette y David Thewlis como los papás del novio. Dan risa y miedo a un mismo tiempo. En fin, sin ser una obra maestra se trata de una película audaz, interesante, cautivante aunque para gustos específicos. Y desde luego, en estos tiempos se agradece mucho la originalidad.

(2020) EE.UU.
DIRECCIÓN Niki Caro
GUION Rick Jaffa, Amanda Silver, Elizabeth Martin, Lauren Hynek
FOTOGRAFÍA Mandy Walker
MÚSICA Harry Gregson-Williams
REPARTO Yifei Liu, Donnie Yen, Li Gong, Jet Li, Jason Scott Lee, Yoson An, Tzi Ma, Jun Yu, Chen Tang, Doua Moua, Jimmy Wong, Pei-Pei Cheng

Deshonrada tu vaca

Es increíble que teniendo toda la maquinaria del emporio Disney y un presupuesto de 200 millones de dólares uno pueda equivocarse tanto como el estudio de Mickey Mouse con su más reciente live action, Mulán. Puestos a filmar sus clásicos animados, Mulán tenía todas las cartas para ser una gran película: bélica, de época, dentro de una cultura milenaria exótica e interesante, una protagonista empática y un conflicto poderoso. Cuando se supo que esta versión sería sin canciones y sin personajes animados —el Mushu que, como el Burro de Shrek, interpretó Eddie Murphy en la versión original y Eugenio Derbez en la latina— pensé que sería una cinta un poco más adulta, precisamente aprovechando sus puntos fuertes. El resultado, para quien lo compare a la original animada, será decepcionante, y para quien quiera verla con ojos nuevos, simplemente incomprensible.

La Mulán de esta versión no tiene un dilema, nada le es difícil. Y es que tiene superpoderes (su chi, le llaman). Tampoco se niega a vivir un estilo de vida que le quieran imponer; no, para ella es lo mismo maquillarse para ir a ver a la Casamentera echándose una risas, o ponerse la armadura y romper una tradición milenaria jugándose la vida para ir a la guerra (de verdad juré que me había saltado una escena cuando Mulán toma esa decisión, porque nunca vemos que la tome, en fin). Y pues en adelante no tiene ya ningún problema, mas que evitar ducharse con sus compañeros, listo. De ahí el resto también es totalmente inverosímil, como que un puñado de aldeanos con un mes de entrenamiento venzan a una tropa élite de rouranos. Y al parecer la historia de una mujer que se infiltra en el ejército imperial de China y salve a toda la nación para al final ser reconocida no era lo suficientemente feminista. Los guionistas introducen entonces a una villana, también con superpoderes, que también busca ser reconocida.

La experimentada directora Niki Caro (Whale Rider, North Country) es puesta al frente de una superproducción que en su desesperado guiño al público asiático —y concretamente chino— está repleta de duelos y batallas físicamente imposibles, acompañados de movimientos de cámara espectaculares —de “espectáculo” no de que sean buenos—. Y ya en esas, la edición aprovecha a resolver problemillas de la trama. ¿Mulán tiene que recorrer cientos de metros para llegar al otro lado de un risco para provocar una avalancha antes de que maten a sus amigos? Fácil, un corte y ya está ahí. También puede perseguir a un halcón en vuelo saltando entre los tejados. Y así sucesivamente. Aunque se nota gran esmero en el diseño de producción, la colorida fotografía parece querer recordarnos que esta es una cinta de Disney hecha para toda la familia, más que pretender que estemos inmersos en la China imperial. Para completar el paquete de una narrativa mediocre, se añade la voz en off del padre de Mulán para que como narrador explique lo que necesitamos saber en determinados momentos de la película.

Los pobres actores no pueden hacer mucho, pues no tienen un proceso que contar. Apenas si el dilema del padre de Mulán (interpretado por el rostro familiar de Tzi Ma) tiene cierto sentido, al ser un padre orgulloso de dos hijas aunque no tenga un hijo varón que vaya a la guerra en su lugar. El posible romance de Mulán con un compañero soldado es nulo y el resto de sus “amigos” no llegan a ser tales. Las canciones de la cinta original resumían en secuencias de montaje procesos importantes como el entrenamiento de estos aldeanos, el ambiente masculino del ejército donde Mulán debe sobrevivir, o los propios dilemas de la protagonista, elementos que aquí simplemente son obviados. Que Jet Li sea el Emperador y sea en sí mismo un guerrero habilidoso que parece sacado de la película Kung-Fusión ya es de risa loca.

A mí el “live action” de El Rey León me pareció innecesario, y el de Aladdín no me gustó, aunque le reconozco algunos méritos histriónicos. Este simplemente me parece incomprensible. Así. Quizá unos productores enfrascados en hacer una superproducción, en mostrar escenas de batallas acrobáticas y dando por supuesto una historia que por sí sola debería funcionar. Pero eso es imposible si no la estás contando. Una vez más queda claro que la historia es lo más importante y si ignoras eso, por más dinero que pongas, la gente lo va a notar. Ya lo notó. Triste por Disney. Deshonor.

(2019) EE.UU., Alemania
DIRECCIÓN Y GUION Terrence Malick
MÚSICA James Newton Howard
FOTOGRAFÍA Jörg Widmer
REPARTO August Diehl, Valerie Pachner, Maria Simon, Karin Neuhäuser, Tobias Moretti, Karl Marvocics, Bruno Ganz

Contemplación de la conciencia

«El creciente bien del mundo depende en parte de actos no históricos; que a ti y a mí las cosas no nos vayan tan mal como podrían haber ido,
se debe en parte al número de los que vivieron fielmente una vida oculta,
y descansan en tumbas no visitadas».

Middlemarch, George Eliot

Durante el Tercer Reich, en Austria las masas se unían en tropel al frenesí del triunfo ario del Führer. Algunos por mera conveniencia o por no ir a contracorriente. La mayoría, siguiendo al fervor popular. En este ambiente, Franz Jägerstätter, un campesino de una pequeña aldea montañesa, decide que va contra su conciencia jurar lealtad a Hitler, como se pedía a todo hombre llamado a filas. Apoyado por su esposa, mantuvo su decisión ante toda adversidad: desde las burlas y roces con los vecinos, hasta el rechazo social, la cárcel y la muerte. Jägerstätter fue beatificado en 2007. Esta imponente película cuenta su historia.

No estamos ante una biopic cualquiera. El cine de Terrence Malick es exigente. Cierto misterio rodea a la figura de este cineasta que no concede entrevistas y del que se sabe poco. De formación católica (padre libanés y madre irlandesa) estudió Filosofía en Harvard y Oxford, donde incoó una tesis sobre Heidegger. Sus películas son de una gran belleza y profundidad, rayando en el misticismo, lo que no lo hace atractivo a todos los públicos. Como en El árbol de la vida, a la cual recuerda mucho ésta su décima película, se centra en contar el conflicto interno más que los eventos externos, aunque aquí estos son históricos e importantes y quedan más que claros.

La película abre con un intertexto fílmico: algunas escenas de El triunfo de la voluntad, la famosa película de la cineasta Leni Riefenstahl, que exalta la figura de Hitler en un evento multitudinario. Un recuerdo de cómo el cine más excelso puede servir a la peor de las causas y que nops sitúa en el ambiente de la época. Aunque Malick musicaliza esos extractos nada menos que con parte del Israel en Egipto de Handel, concretamente con el coro “Y creyeron en el Señor”. Así lo dice todo desde antes de que veamos incluso un plano hecho por él. Y con mucha calma nos va involucrando en la vida ordinaria del matrimonio feliz de Franz y Fani. Ambos protagonistas —y después ambos mártires, si bien ella no fue asesinada. Una vida oculta en contacto con Dios y la naturaleza que pronto se ve invadida por las circunstancias políticas, contadas casi indirectamente, pero que ponen al protagonista ante un conflicto tan íntimo como infranqueable. En ese aspecto, la trama sitúa a esta película junto con otras grandes historias de dramas de conciencia, especialmente el clásico Un hombre para la eternidad, sobre Tomás Moro, o más recientemente Hasta el último hombre, sobre el soldado estadounidense que salvó varias vidas aunque por motivos religiosos se negó a tocar un arma en la Segunda Guerra Mundial.

Sin embargo, Malick no parece querer contar una serie de peripecias históricas, sino el drama interior de la conciencia de su protagonista. Y lo hace casi sin palabras —con la notable excepción de las cartas originales entre Franz y Fani, por las que se sabe esta historia—, sino de un modo puramente audiovisual. La fotografía de Jörg Widmer sigue muy de cerca (casi diría que imita) el estilo del mexicano Emmanuel Lubezki en El árbol de la vida, donde Widmer fue su ayudante y que se volvió icónico con sus tomas en gran angular, frecuentes contrapicados y movimientos de cámara ágiles siguiendo a los personajes. La música original de James Newton Howard es bellísima y convive de maravilla con las piezas de Bach, Handel, Górecki o Arvo Pärt que invitan directamente a arrodillarse. Las interpretaciones de August Diehl y Valerie Pachner son sobrecogedoras. Dan rostro a esta historia de amor real, pues eso es lo que es. Ambos de origen germano, hablan en el inglés del guion de Malick, que a su vez mantiene el idioma alemán sin subtitular (ni falta que le hace) en los gritos amenazantes de sus enemigos.

Estamos, en fin, ante una equilibrada obra de Malick, que sintetiza mucho de su trabajo anterior e interior (estuvo editándola durante tres años). Requiere verse con calma y tranquilidad de espíritu, como toda obra de arte valiosa, que no es de fácil consumo. Pero quien se adentre en este viaje audiovisual por la conciencia de un hombre real y de la mano de un guía como Terrence Malick tiene la garantía de vivir una experiencia arrebatadora.

(2019) México
DIRECCIÓN Y GUION Fernando Frías de la Parra
FOTOGRAFÍA Damián García
REPARTO Juan Daniel García Treviño, Angelina Chen, Adriana Arbelaes, Leo Zapata, Coral Puente, Jonathan Espinoza, Yesica Silva

El cholo y otros extremos

«A todos, en algún momento, se nos ha revelado nuestra existencia como algo particular, intransferible y precioso. Casi siempre esta revelación se sitúa en la adolescencia. El descubrimiento de nosotros mismos se manifiesta como un sabernos solos; entre el mundo y nosotros se abre una impalpable, transparente muralla: la de nuestra conciencia.» Con estas palabras inicia Octavio Paz El laberinto de la soledad, y podrían ser el resumen de la excelente Ya no estoy aquí de Fernando Frías de la Parra, estrenada en Netflix, que cuenta la historia de un joven mexicano en busca de su supervivencia y su identidad.

Paz escribía esas palabras para hablar de los “pachucos”, esa población de origen mexicano en Estados Unidos que se distinguía por su modo de vestir estrafalario y su vida en torno a un estilo musical determinado, como cristalizó Luis Valdez en el musical y después película Zoot Suit (1981). Y prácticamente todo lo que podía decirse de los pachucos el siglo pasado puede decirse hoy de los cholos, que están en el centro de la trama de esta película. Concretamente, la subcultura conocida como Kolombia, compuesta por jóvenes de las zonas marginadas de Monterrey que escuchan variaciones de cumbias colombianas y se dividen en pandillas.

El protagonista de Ya no estoy aquí es Ulises, el líder de la pandilla de los “terkos”. Toda su apariencia es un grito que busca una identidad que afirmar. La película se divide en dos líneas temporales. Por un lado, el presente de Ulises como inmigrante en Estados Unidos y sus esfuerzos por sobrevivir sin conocer siquiera el idioma, donde encuentra ayuda de personajes como la adolescente de ascendencia china Lin, o la prostituta colombiana Gladys. Igual de interesante es su pasado meses atrás en Monterrey, donde la película muestra la particularidad de la subcultura Kolombia: sus bailes, sus indumentarias, su peculiar modo de hablar que es casi un dialecto y que hará que muchos hispanohablantes tengan que ver esta película con subtítulos.

Frías firma así su segundo largometraje de ficción, con la valiosa colaboración del director de fotografía Damián García (Desierto, Güeros). Sin tener una trama atrapante —también por no seguir una estructura narrativa convencional, ni falta que le hace—  y con una temática muy conocida, como la maduración del adolescente o el drama de la inmigración ilegal, su fuerza está en sumergir al espectador en el peculiar mundo de una rica subcultura que está al margen tanto de la sociedad mexicana (el último estereotipo de Monterrey que uno pensaría es el de unos cholos de peinado estilizado bailando cumbias rebajadas) como de la estadounidense. Y, sobre todo, en la fascinación que causa un personaje, un adolescente introvertido y arisco —excelente descubrimiento del joven Juan Daniel García Treviño, quien nunca había actuado— que en medio de una situación vital difícil está, como todo joven, en una búsqueda de su identidad.

(2020) EE.UU.
DIRECCIÓN Dan Scanlon
GUIÓN Dan Scanlon, Keith Bunin, Jason Headley
MÚSICA Jeff Danna, Mychael Danna
FOTOGRAFÍA Sharon Calahan, Adam Habib
REPARTO (voces) Tom Holland, Chris Pratt, Julia Louis-Dreyfus, Octavia Spencer, Mel Rodriguez

Recuperar la magia

Pixar, el estudio que apadrinado por Disney revolucionó la animación teniendo siempre como prioridad la calidad de sus historias, entrega su película número 22 y no baja el nivel. Si bien Onward no trascenderá como una de sus mejores (no está al nivel de las Toy Story, Buscando a Nemo, Monsters Inc., Los Increíbles, Up o Inside Out), nuevamente presenta una historia original, emotiva y redonda, acompañada por una animación impecable (que se dice fácil).

Ian y Barley (voces de Tom Holland y Chris Pratt) son dos hermanos elfos que perdieron a su padre en la niñez. Barley, el mayor, es un geek de la magia y el mundo antiguo que ha sido desplazado por la tecnología. Ian, en plena adolescencia, solo quiere encontrar su lugar en el mundo y parecerse a su padre, al que no conoció. En su cumpleaños, su madre le entrega un regalo de su padre: un báculo mágico que puede traer al padre a la vida durante un día. El hechizo se complica y los hermanos tendrán que realizar una búsqueda épica para completarlo antes de que se les acabe el tiempo.

La trama transcurre en un universo cuya ambientación es de lo más interesante. Una sociedad de criaturas mágicas donde precisamente se ha perdido la magia, y viven en un mundo parecido al nuestro, con un toque retro. Elfos, dragones, unicornios, hadas y trolls circulan por free-ways en sus coches, usan teléfonos móviles y escuchan viejos casettes. La película aprovecha para el humor y la creatividad este rico universo, además de atreverse con recursos arriesgados, como la parte inferior del cuerpo del padre que es un personaje más y consigue transmitir emociones siendo solo eso, un par de piernas.

Uno de los éxitos de Pixar es ir formando en la cantera a sus propios escritores y directores, para ir permitiendo el relevo generacional. Dan Scanlon (Monsters University) enfila así su segundo largometraje con el estudio, entregando una historia con un sabor muy personal, a pesar de estar situada en un mundo tan fantasioso. Y es que la fórmula nuevamente funciona al apostar por el guion en primer lugar. Onward es una historia de crecimiento y de familia, que esta vez se enfoca en una relación que no es de las más socorridas en el cine: la relación de hermanos. A ello se suma la crítica a una sociedad que perdió una visión más trascendente (la magia en este caso) simplemente por dejar de acudir a ella. Una apuesta con un final de acción y lagrimita incluida que confirma que Pixar es todo un caso de éxito al consolidar el talento de unos pocos en una filosofía y una empresa creativa que parece seguirá dando mucho de sí.

(2019) EE.UU.
DIRECCIÓN Josh & Benny Safdie
GUIÓN Ronald Bronstein y Josh & Benny Safdie
MÚSICA Daniel Lopatin
FOTOGRAFÍA Darius Khondji
REPARTO Adam Sandler, Julia Fox, Idina Menzel, LaKeith Stanfield, Eric Bogosian, Kevin Garnett, Judd Hirsch, Tilda Swinton

Ícaro de joyas

La avaricia es una de las pasiones que con más fuerza hemos visto arrastrar a los personajes en pantalla. Desde el clásico de cine mudo de Eric von Stroheim que llevaba precisamente ese nombre, Avaricia (1924), hasta esta película de los hermanos Safdie protagonizada por Adam Sandler que es como un golpe contundente. En Nueva York, un joyero judío consigue un valioso ópalo que pretende subastar a la vez que intenta resolver sus múltiples problemas personales y de negocios. A partir de esa premisa los acontecimientos se desencadenan teniendo al espectador al borde del asiento.

Financiada por la productora indie A24, en su estilo es similar a la reciente Good Time (2017) de los mismos directores, pues explora personajes urbanos con vidas turbulentas. El eje de la película es la actuación de Adam Sandler, quien se sale de su línea cómica con una calidad de interpretación como no se la había visto desde Punch-Drunk Love (2002) para dar vida a un comerciante tan hábil como insaciable, problemático a niveles patológicos, infiel y acelerado. Un Ícaro imprudente que quiere volar cada vez más cerca del sol. La fotografía del veterano iraní Darius Khondji, estéticamente saturada, da un toque eléctrico al ambiente neoyorkino. Sin embargo, lo que la da a la película una personalidad única es la sugerente musicalización de Daniel Lopatin, músico experimental también conocido como Oneohtrix Point Never, que mezcla sintetizadores con voces casi tribales de un modo alucinante e inesperado.

La complicación de la trama y la imprudencia del protagonista provocan una ansiedad creciente en el espectador, que culmina en un final emblemático. Sin ser ejemplar ni mucho menos, desde luego da qué pensar sobre lo que puede ser el móvil de la acción de un ser humano, sobre todo cuando no hay en él reflexión alguna, como claramente es el caso. Los Safdie lo plasman con un estilo original y cautivador, permitiendo que Adam Sandler se luzca en un personaje caótico y trágico. Con las advertencias dichas, vale toda la pena.

Otras nominaciones:

Los dos papas (Mejor guion original, Mejor actor, Mejor actor de reparto)
El faro (Mejor fotografía)
Ad Astra (Mejor mezcla de sonido)
Star Wars: El ascenso de Skywalker (Mejor música, Mejores efectos visuales, Mejor edición de sonido)
Toy Story 4 (Mejor película animada, Mejor canción)
El Rey León (Mejores efectos visuales)
Avengers: Endgame (Mejores efectos visuales)

(2019) EE.UU.
DIRECCIÓN Greta Gerwig
GUIÓN Greta Gerwig basada en la novela de Louisa May Alcott
MÚSICA Alexandre Desplat
FOTOGRAFÍA Yorick Le Saux
REPARTO Saoirse Ronan, Emma Watson, Florence Pugh, Eliza Scanlen, Timothée Chalamet, Laura Dern, Meryl Streep, Chris Cooper, Tracy Letts, Bob Odenkirk

Mirada fresca a un clásico

La cuarta adaptación cinematográfica de la novela cúspide de Louisa May Alcott llega en un momento histórico interesantísimo. Efectivamente, en plena época del empoderamiento femenino podría ser dudosa la conveniencia de otra adaptación de Mujercitas que, además de su título poco empoderador, muestra a sus protagonistas femeninas en circunstancias de clara desventaja. Sin embargo, resulta determinante que esta versión venga de la mano de Greta Gerwig, quien fuera nominada al Oscar a Mejor directora por la primera película que dirigió en solitario, Lady Bird (mi crítica aquí), que tenía un tono autobiográfico del mismo modo que Mujercitas lo tenía de su autora Alcott.

Jo March es la mayor de cuatro hermanas, que ha crecido luchando por su sueño de ser escritora y entre las tensiones de la época que demandan que forme una familia y las tensiones románticas con su vecino millonario Laurie. Cuando su padre marcha a la guerra, Jo intentará apoyar económicamente a su familia desde Nueva York. El guion, adaptado por la misma Gerwig —por la que está nominada al Oscar—, divide la historia en dos planos temporales, por lo que Jo empieza en Nueva York intentando publicar y vamos conociendo su vida anterior a modo de flashbacks entrelazados. La recreación de la época es brillante en su vestuario y el diseño de producción, con una dirección de fotografía que se inspira en la pintura victoriana y en la pintura de Sorolla —esas escenas de playa— y una musicalización ideal de la mano del infalible Alexandre Desplat.

Si bien la trama sigue sobre todo a Jo, es una película coral que hace lucir los rasgos de cada una de sus protagonistas, con un reparto de primera. Saoirse Ronan —que a sus 25 años ha recibido por esta interpretación su cuarta nominación al Oscar, la anterior protagonizando Lady Bird— es una Jo tan apasionada como decidida y a ratos confundida. Emma Watson es Meg, la mayor, que defiende la validez de sus sueños, aunque estos sean más tradicionales, como formar una familia. Florence Pugh, excelente y también nominada, es la ambiciosa Amy, que funciona como rival de Jo sin dejar por eso de ser su hermana. Eliza Scanlen es la tímida Beth, talentosa en el piano y que une a las hermanas en torno a su inocencia. A las hermanas se añaden actrices de la talla de Meryl Streep, que interpreta a la tía solterona, y Laura Dern —que este año destacó también en Marriage Story, dirigida por Noah Baumbach, pareja de Gerwig— como la madre generosa y bondadosa que ha formado a las cuatro hermanas. La aportación masculina viene sobre todo por Timothée Chalamet, que clava al alocado y enamoradizo señorito Laurie.

La versión de Gerwig es pues totalmente actual, y no por incorporar elementos anacrónicos —como hicieran Sofia Coppola en su María Antonieta (2006) o Yorgos Lanthimos en La favorita (2018)— sino por el modo honesto y sincero con que retrata a sus protagonistas femeninas, con una sensibilidad de nuestro tiempo que a la vez es del todo fiel al texto de Alcott, ella misma feminista y que supo hacer destacar a la mujer en su época por lo que es y no por intentar ser imitadora del varón.

(2019) EE.UU.
DIRECCIÓN Taika Waititi
GUIÓN Taika Waititi basado en la novela Caging Skies de Christine Leunens
MÚSICA Michael Giacchino
FOTOGRAFÍA Mihai Malaimare Jr.
REPARTO Roman Griffin Davis, Thomasin McKenzie, Scarlett Johansson, Taika Waititi, Sam Rockwell, Stephen Merchant, Rebel Wilson, Alfie Allen, Archie Yates

Los niños de la guerra

Son los últimos meses del Tercer Reich. Jojo es un niño de diez años, ingenuo y entusiasta, que pertenece a las Juventudes Hitlerianas. Su fanatismo es tal que tiene como amigo imaginario al mismísimo Führer. Desde que su padre se marchó al frente vive solo con su madre, y un día descubre que en su propia casa esconden a una niña judía. Esta excelente película, una sátira sobre la guerra, el adoctrinamiento de los totalitarismos y la inocencia de la infancia, funciona como una comedia disparatada sin que esto le estorbe —más bien al contrario— para ser crítica y muy emotiva.

El proyecto es del director, productor, guionista y actor de comedia Taika Waititi. Su peculiar nombre revela su origen maori-neozelandés y además es de religión judía. Tras hacer varias películas en su país, entre ellas el desternillante falso documental What We Do In The Shadows y la divertida Hunt for the Wilderpeople (mi crítica aquí), triunfó en Hollywood dirigiendo Thor: Ragnarok, a la que le dio su original toque cómico. En esta película adapta libremente la novela Caging Skies —sobre un chico alemán que se enamora de una chica judía a quien esconde su familia, y a quien le miente sobre el desenlace de la guerra para no perderla— y la convierte en una comedia muy de su estilo, incluso reservándose el rol del Hitler imaginario para él mismo.

A pesar del tema bélico, la película tiene una estética colorida y alegre a lo Wes Anderson que acompaña al tono cómico, con una cuidadosa recreación de trajes y el entorno de la época. Contribuye a la ambientación la música de Michael Giacchino (Up, Coco, Los Increíbles) a la que se suman canciones de la época y varios covers de hits del pop traducidos al alemán. Los personajes principales son interpretados por un reparto bien elegido que incluye a Sam Rockwell como un oficial nazi borrachín, Rebel Wilson como una nazi fanática de pocas luces, o a Stephen Merchant como un burócrata de la Gestapo. Sin embargo, quienes más destacan son el propio Waititi con su divertida ridiculización de Hitler, Scarlett Johansson (nominada al Oscar por este papel) como la auténtica heroína de la película, a la vez madre coraje y soñadora feliz; y el pequeño, talentoso y tierno Roman Griffin Davis, sobre quien pivota toda la película. Archie Yates, otro joven actor, interpreta al amigo gordito de Jojo en momentos muy divertidos y Thomasin McKenzie a la adolescente judía Elsa.

Si bien abundan las películas en torno a la Alemania de la Segunda Guerra Mundial —esta que nos ocupa tiene incluso muchos elementos en común con el filme neorrealista de Rosellini Alemania año cero (1948)—, el acercamiento de Jojo Rabbit es original porque detrás de la risa viene la reflexión en torno a lo que nos separa y los prejuicios que podemos cargar en nuestra mente —”dibuja dónde viven los judíos”, le pide Jojo a Elsa. “Pero este es un dibujo de mi cabeza”, le reclama luego. “Ahí es donde vivimos”—. Y es que las víctimas más injustas de las guerras son los niños, así como son lo más vulnerables ante las ideologías en el poder. Una lección no solo para la época nazi sino también para nuestros días. Y esto queda aquí grabado con un cincel bastante certero: la risa.