Fair is foul and foul is fair

Shakespeare nunca se agota. Como todo clásico, sus tramas que exploran las pasiones humanas con versos poderosos pueden interpretarse una y otra vez con distintas visiones, pues en eso consiste el teatro. Y un paso más es cuando se lleva a la pantalla, plasmando en imágenes sus historias inmortales. De las muchas versiones de Macbeth en cine tienen un lugar destacado las de Orson Welles (1948), Akira Kurosawa (Trono de sangre, 1957) y Roman Polanski (1971). Más recientemente, Michael Fassbender y Marion Cotillard encarnaron a la patológicamente ambiciosa pareja protagonista bajo la dirección de Justin Kurzel. Ahora nada menos que Joel Coen (esta vez sin su hermano) toma el texto y entrega una pieza que brinca al podio de las adaptaciones de una de las tragedias más celebres de Occidente.

Lo más llamativo de esta adaptación es su estética. En blanco y negro y con una relación de aspecto 4:3, transcurre en escenarios no realistas con una geometría minimalista que podrían haber salido de la mente del arquitecto Luis Barragán. Los contrastes lumínicos y el tipo de planos están fuertemente influenciados por el expresionismo alemán y algo del cine de Bergman. Sin embargo, esto es solo el escenario donde fluye la acción que sigue el texto original del dramaturgo isabelino, tan bello y complejo como difícil de seguir para un público poco atento o poco dispuesto. Si bien pueden perderse las sugerentes metáforas de los elaborados versos a veces necesariamente veloces, la trama se sigue tanto por lo conocido de la historia como por la claridad de las imágenes, que apuestan por innovar a partir del texto, como en la perturbadora y genial interpretación de las tres brujas.

La otra originalidad de esta versión es el reparto. Los Macbeth no son los jóvenes nobles ambiciosos de la mayoría de las versiones (quizá pensados así por Shakespeare) sino que están en torno a los sesenta años, y eso da un toque muy distinto a esta historia de ambición y muerte. Además, tanto Macbeth como Macduff son afroamericanos. Denzel Washington, sin renunciar a su acento neoyorkino ni a un estilo directo y poco ceremonioso, es un excelente Macbeth, probando que todo actor angloparlante debe tener el honor de interpretar a un personaje shakesperiano alguna vez. Frances McDormand —por cierto, esposa de Joel Coen y también productora de la cinta— conserva su estilo desenfadado de mujer fuerte asociado a su persona y que la hace una Lady Macbeth muy adecuada. Los demás actores cumplen igualmente, aún en papeles pequeños. En fin, un clásico instantáneo, un gusto exquisito para el público culto y una sugerente aproximación para el espectador aún no familiarizado con la obra de Shakespeare, que por algún lado hay que empezar.

(2021) EE.UU.
DIRECCIÓN Joel Coen
GUION Joel Coen basado en la obra teatral de William Shakespeare
FOTOGRAFÍA Bruno Delbonnel
MÚSICA Carter Burwell
REPARTO Denzel Washington, Frances McDormand, Alex Ross, Corey Hawkins, Bertie Carvel, Brendan Gleeson, Harry Melling, Moses Ingram, Kathryn Hunter

La procesión va por dentro

Poderoso western producido por Netflix y dirigido por la neozelandesa Jane Campion, quien no había figurado en la carrera de los Óscares desde El piano (1993) cuando ganó la estatuilla al Mejor guion. Campion adapta una novela de Thomas Savage sobre dos hermanos que regentan un rancho en Montana a inicios del siglo anterior. Cuando uno de los hermanos, el apacible y conciliador George (Jesse Plemons) se casa con una amable viuda del pueblo (Kirsten Dunst), el otro hermano, el popular y cruel Jim (Benedict Cumberbatch), le hará la vida imposible a la recién llegada y a su hijo adolescente (Kodi Smith-McPhee), un joven delicado e inteligente que no cumple con el prototipo de masculinidad del Salvaje Oeste.

Si se echa un repaso a la vida del novelista Thomas Savage se puede saber qué esperar de la trama, pues tiene muchos elementos autobiográficos. Savage creció en un rancho cerca de Montana, criado por una madre alcohólica y aterrorizado por el cruel hermano de su padrastro. Años después, Savage abandonó a su esposa e hijos para vivir un romance homosexual con un ilustrador de cuentos para niños veinte años más joven que él. Todos estos elementos están presentes en la película, que se inscribe en el giro del western que se aleja de la figura masculina prototípica del género clásico para explorar la homosexualidad, en la estela de la conocida Brokeback Mountain (Ang Lee, 2005).

Sin embargo, los grandes méritos de la película de Campion no van en la línea de la trama, sino en el modo de contarla, que está cargado de tensión —para ello resulta clave la música de cuerdas de Jonny Greenwood— y que acierta en no mostrar —nada es explícito— sino solamente implicar, dejar las escenas sin contar lo más importante, para que sea el espectador el que reconstruya, el que arme e imagine. Hay mucha violencia, sí, pero es violencia psicológica, de la que involucra al espectador hasta tener que recordarse que no hay nada que temer, que solo está viendo una película.

Su otra gran virtud son las actuaciones que muestran también solo la punta del iceberg de unos personajes con fuertes tormentas interiores. Benedict Cumberbatch podría llevarse el Oscar este año por esta interpretación de un personaje con muchas capas, un vaquero feroz que se graduó de Estudios Clásicos en una de las mejores universidades; un macho alfa homofóbico que oculta su propia inclinación. Kirsten Dunst da un paso importante de ser una actriz joven y bella a ser una actriz de carácter. Jesse Plemons suma éste a los proyectos que sabe elegir con tanto acierto, si bien su personaje no es tan central; y el joven Kodi Smith-McPhee (el inolvidable niño de La carretera) interpreta a un muchacho tan brillante y afable como críptico e insensible. Un giro de trama final pone la cereza en una de las mejores películas del año pero que requiere paciencia y que no dice nada bueno de la naturaleza humana. No sorprende que el título metafórico hable más bien de un perro, aunque esté citando el Salmo 22: «Apresúrate, Señor, a socorrerme / libra de la espada mi alma / del poder del perro mi vida».

(2021) EE.UU.
DIRECCIÓN Jane Campion
GUION Jane Campion basada en la novela de Thomas Savage
FOTOGRAFÍA Ari Wegner
MÚSICA Jonny Greenwood
REPARTO Benedict Cumberbatch, Jesse Plemons, Kirsten Dunst, Kodi Smith-McPhee, Thomasin McKenzie

Apocalipsis en la posverdad

Tras casi dos años de pandemia, quizá hacer una película sobre el fin del mundo no sea lo más adecuado. O sí. Porque la premisa de que dos científicos descubren que un meteorito va a impactar la tierra y aniquilar a toda la raza humana es ideal para mostrar el absurdo de cómo reacciona a ello una sociedad inmersa en la era de la posverdad: algunos lo utilizan para ganar más poder, otros para ganar más dinero. Muchos son manipulados hasta el punto de negar los datos o la existencia del meteorito que puedes ver viniendo hacia ti con tus propios ojos.

Adam McKay, proveniente de la comedia más boba, sorprendió con un giro hacia un cine ácido, cargado de crítica hacia la sociedad actual, con gran agilidad narrativa y comedia negra. Así lo hizo con La gran apuesta, en la que se centró en la crisis financiera del 2008 y sus causantes, y después con Vice en la que arremetió contra la figura del ex-vicepresidente norteamericano Dick Cheney. En ambas tuvo un reparto estelar y cosechó premios y nominaciones, Óscar incluido. Esta vez repite el modelo con una trama que, si bien es ficción, está impregnada de críticas a la actualidad, específicamente a la norteamericana y con un sesgo bastante marcado —la historia la escribió junto con David Sirota, un periodista que entre otras cosas escribía los discursos de campaña del candidato demócrata Bernie Sanders— en el que no es difícil ver trasuntos del manejo de la pandemia del COVID por parte del gobierno de Donald Trump, o de su actitud y la de algunos de sus partidarios respecto al cambio climático, una causa de la que es embajador internacional Leonardo DiCaprio, protagonista de la cinta.

Más allá de la crítica política, la cinta da en el clavo de muchos de nuestros problemas en una era de sobreinformación y confusión, en la que no importa la verdad sino los juegos de poder y de dinero. Son geniales —y aterradores cuando pensamos que no se separan tanto de la realidad— roles como el de la Presidente de Estados Unidos, del partido republicano, interpretada por Meryl Streep, así como su hijo de pocas luces (y jefe de gabinete) interpretado por Jonah Hill, o el del magnate tecnológico que interpreta Mark Rylance, una mezcla de Steve Jobs, Mark Zuckerberg, Elon Musk y Jeff Bezos. Son solo parte de un elenco de estrellas encabezado por el mencionado DiCaprio y Jennifer Lawrence (los científicos protagonistas) y que incluye hasta a Timothée Chalamet.

Con referencias cinematográficas obvias como las de Armageddon y el cine de catástrofes de Roland Emmerich, quizá en su intención y tono se acerque más a Melancholia de Lars Von Trier. El cine de McKay cumple siempre en risas y en ritmo, con la ventaja de que esta vez no se mete tanto en complicaciones financieras como en La gran apuesta o en intrigas políticas tan específicas como en Vice. Si bien centrada en la sociedad estadounidense —como en otras cintas del fin del mundo, por «mundo» siempre hay que entender Estados Unidos— destaca mucho la reflexión que lleva de fondo y que sale natural: cuando tienes la muerte inevitable en las narices, uno vuelve a lo esencial, buscar a la propia familia y rezar reconociendo que en realidad lo teníamos todo y no lo supimos valorar.

(2021) EE.UU.
DIRECCIÓN Y GUION Adam McKay
HISTORIA Adam McKay y David Sirota
FOTOGRAFÍA Linus Sandgren
MÚSICA Nicholas Britell
REPARTO Leonardo DiCaprio, Jennifer Lawrence, Meryl Streep, Cate Blanchett, Rob Morgan, Timothée Chalamet, Jonah Hill, Mark Rylance, Tyler Perry, Ron Perlman, Ariana Grande

Regalo a los fans

Antes de vernos inundados del cine de superhéroes, cuando solo existían las viejas películas de Superman con Christopher Reeve y las películas de Batman que Tim Burton empezó bien y Joel Schumacher terminó mal, salió en el año 2002 una película que inauguraría este género como tal. Spider-Man. Peter Parker fue interpretado por Tobey Maguire y se enfrentaba al villano conocido como el Duende Verde, alter ego del científico Norman Osborn, interpretado por Willem Dafoe. Diecinueve años, siete películas y tres Spidermans después, el ciclo se cierra.

Última entrega de la trilogía del superhéroe arácnido interpretado por Tom Holland: una versión del personaje más joven (estudia bachillerato) y de vis más cómica que sus predecesores. Es el Spiderman que se inserta en el universo Marvel, al que conocimos en Civil War, vimos morir en Infinity War y resucitar en Endgame. La tendencia marvelita de cruzar personajes esta vez nos lleva a que Peter Parker visite al Doctor Strange para que le ayude, pues su vida es un desastre desde que su identidad salió a la luz pública. El hechizo de Strange abre el multiverso y los villanos de todas las anteriores cintas de Spiderman empiezan a aparecer…

Es sabido que el cine de superhéroes, y especialmente el de Marvel, no hace obras de arte cinematográficas sino narrativas trepidantes llenas de efectos —»parque de atracciones» las llamó polémicamente Scorsese— que son piezas de un universo narrativo más grande. En este caso, una oportuna mezcla de derechos de las películas de este superhéroe permitió que Sony fusione la versión de Marvel/Disney de su personaje con las cintas anteriores, lo cual es algo que ha vuelto locos a los fans y que apela a la nostalgia de cualquier persona menor de 40 años que no haya vivido debajo de una piedra. Superado eso —y que el gran Willem Dafoe recupere para su Duende Verde un lugar de honor entre los villanos del cine de superhéroes— la cinta no es especialmente fuerte, aunque tiene momentos dramáticos bien logrados que dan una evolución al personaje, así como un mensaje bastante claro de profunda raigambre cristiana: amar a los enemigos. 

(2021) EE.UU.
DIRECCIÓN Jon Watts
GUION Chris McKenna y Erick Sommers basados en el comic de Stan Lee y Steve Ditko
FOTOGRAFÍA Mauro Fiore
MÚSICA Michael Giacchino
REPARTO Tom Holland, Zendaya, Jacob Batalon, Benedict Cumberbatch, Marisa Tomei, Jon Favreau, Willem Dafoe, Alfred Molina, Jamie Foxx, Thomas Haden Church, Rhys Ifans, J.K. Simmons

Culebrón de ricos

La triste historia real de cómo la familia Gucci perdió la propiedad de su legendaria marca de lujo ciertamente da para una película. Todo empezó cuando Maurizio Gucci, joven heredero con poco interés en el negocio familiar, se enamoró de Patrizia Reggiani, una advenediza al lujoso mundo de los Gucci que llegó dispuesta a todo por escalar dentro de la familia y el negocio. Hoy Reggiani cumple una sentencia por el asesinato de Maurizio Gucci y, como los grandes culebrones que además tienen que ver con ricos y famosos, este tenía su interés. Además, para contar esta historia se reunieron grandes talentos tanto detrás de la cámara (Ridley Scott) como delante: Adam Driver, Jeremy Irons, Al Pacino, Jared Leto y, claro, Lady Gaga.

Siendo una película entretenida y con aciertos cinematográficos (impecable fotografía, excelente banda sonora con canciones populares), su gran problema es la falta de unidad. No parece haber claridad con qué se está buscando, a pesar de que el veterano Ridley Scott es uno de los grandes directores vivos, aunque ciertamente sus fuertes más bien han sido la ciencia ficción (Blade Runner, Alien) y el cine de época violento (Gladiador, Cruzada o la reciente El último duelo) y no tanto el cine de este tipo que se antoja a territorio Scorsese: ambición, lujo externo y decadencia moral. 

Falta de unidad, decíamos. Así, la protagonista es Patrizia Reggiani pero a la vez toda la película se empeña en desprestigiarla y acusarla. Maurizio Gucci pasa de presa a jefe y de jefe a víctima, aunque sus motivaciones nunca se justifican. El drama de Aldo Gucci (Al Pacino) encarcelado por su propio hijo no se aprovecha bien, y la interpretación esperpéntica de Jared Leto —irreconocible bajo un maquillaje de primera— es desconcertante dentro del conjunto. Los peores momentos son los de Salma Hayek, que interpreta a una vidente de la televisión que se convierte en confidente y cómplice de Reggiani. La escena en que van disfrazadas a contratar a los sicarios parece un sketch cómico de mala televisión.

Y todo esto no parece ser culpa de los actores, que hacen muy bien lo suyo: destaca Adam Driver en lo que ha sido quizá el mejor año de su carrera, y Lady Gaga está que ni pintada para el personaje principal (aunque no es lo mismo que ser buena actriz, ojo). Más bien es una falta de balance en el tono general que no encuentra la línea que quiere seguir ni la historia que quiere contar, a pesar de que las escenas se suceden y la cinta avanza. Más allá de conocer la triste historia de los Gucci no hay personajes que cambien y evolucionen. Puede haber sorpresa, pero no hay catarsis, y eso —ya lo decía Aristóteles— nos deja sin satisfacción emocional.

(2021) EE.UU.
DIRECCIÓN Ridley Scott
GUION Becky Johnston y Roberto Bentivegna basados en el libro de Sara Gay Forden
FOTOGRAFÍA Dariusz Wolski
MÚSICA Harry Gregson-Williams
REPARTO Lady Gaga, Adam Driver, Al Pacino, Jared Leto, Jeremy Irons, Salma Hayek, Jack Huston, Camille Cottin, Reeve Carney

Oríllese a la orilla

El mexicano Alonso Ruizpalacios (Güeros, Museo) presenta esta interesante pieza producida por Netflix, un documental con estrategias de ficción, que se adentra en el complejo mundo de la policía de la Ciudad de México. La primera mitad es extraordinaria, sumamente entretenida, retratando a la capital mexicana con imágenes cinematográficas de gran calidad y música de cine de aventuras (los créditos iniciales no tienen desperdicio) y a sus personajes policías en todo tipo de peripecias, con una agudeza que será curiosa para el público internacional y entrañable para el público mexicano, especialmente para el de la capital. El modo de hablar de estos policías es tan acertado como hilarante.

La segunda mitad es un poco más floja, aunque interesante en su tesis de explicar el proceso de la propia película. Ahí los realizadores cargan más las tintas para denunciar la corrupción tristemente célebre del cuerpo policial mexicano y la película se esfuerza más en este mensaje que en conservar su fuerza inicial. Todo sea dicho, es de admirar el compromiso de los actores protagonistas, Raúl Briones y Mónica del Carmen, que queda reforzado por sus testimonios. Hay que seguirle la pista a Alonso Ruizpalacios, que de ser un director ya afianzado en el prestigioso mundo de la ficción (Güeros ganó los principales premios mexicanos, los Arieles, y Museo fue protagonizada por Gael García Bernal) se decide a experimentar con el documental de un modo tan original.

(2021) México
DIRECCIÓN Alonso Ruizpalacios
GUION David Gaitán y Alonso Ruizpalacios
FOTOGRAFÍA Emiliano Villanueva
SUPERVISIÓN MUSICAL Javier Nuño y Joe Rodríguez
REPARTO Mónica del Carmen, Raúl Briones, Leonardo Alonso

Infancia robada

México. En un pequeño pueblo de la sierra, la vida gira en torno al narcotráfico. Las habitantes son en su mayoría mujeres, que ganan dinero de recolectar la goma de las amapolas (de donde se produce el opio y la heroína). Los hombres se marcharon al norte o se unieron al narco o visten uniformados pues son soldados. Las niñas usan el pelo corto y tienen escondites en sus casas para ocultarse el día en que lleguen a robarlas. En medio de eso, tres amigas viven su tránsito de la niñez a la adolescencia.

Esta cinta mexicana es el primer largometraje de ficción de la directora salvadoreña Tatiana Huezo. Es una película tan bella y tan terrible como su acertado título. Como en la también reciente Sin señas particulares, la mirada es femenina y la violencia es elíptica, implícita, lo que la hace quizá más desgarradora. Con una excelente fotografía de Dariela Ludlow, el tono es cercano al documental y no se centra en el conflicto externo del narcotráfico —aunque su amenaza es continua— sino en la historia de crecimiento de las protagonistas. Habría que hablar más de las directoras haciendo cine mexicano de calidad hoy. Natalia Beristáin, Alejandra Márquez Abella, Yulene Olaizola, Fernanda Valadez, Tatiana Huezo. Por lo pronto, Noche de fuego tuvo una mención especial en el Festival de Cannes y fue enviada a representar a México en los Oscares. Más que merecido.

(2021) México
DIRECCIÓN Tatiana Huezo
GUION Tatiana Huezo basada en la novela de Jennifer Clement
FOTOGRAFÍA Dariela Ludlow
MÚSICA Leonardo Heiblum y Jacobo Lieberman
REPARTO Marya Membreño, Mayra Batalla, Ana Cristina Ordóñez González, Alejandra Camacho, Giselle Barrera Sánchez, Camila Gaal, Blanca Itzel Pérez, Memo Villegas

Homenaje hasta Broadway

Jonathan Larson revolucionó el mundo del teatro musical con Rent, una obra que llevó a Broadway a la «generación MTV» en los 90’s, adentrándose en temas socialmente ascendentes como el VIH y las crisis de los jóvenes con un estilo de vida que padecía las consecuencias del «todo se vale» que conquistó la generación anterior. Antes de alcanzar ese éxito, Larson moría en su apartamento a los 35 años, un día antes del estreno de Rent. Su obra anterior era un original monólogo, tick, tick…BOOM!, en el que desde un punto de vista autobiográfico Larson reflexionaba sobre sus problemas como un joven aspirante a autor de teatro musical y sus intentos por llevar al escenario Superbia, una obra que había pasado años escribiendo.

Otro astro de Broadway, Lin-Manuel Miranda —autor y protagonista del musical In the Heights y del exitosísimo Hamilton— esta vez se pone detrás de la cámara para homenajear a Larson, cuya obra lo inspiró. El guionista Steven Levenson escribe esta película que mezcla el musical homónimo con la propia vida de Larson. El resultado es una película atractiva para el gran público —las canciones de Larson son buenas, aunque éstas no lo sean tanto como las de Rent— y una joya para los entendidos del teatro musical, llena de cameos de estrellas del teatro y guiños para quien conoce bien la escena de Broadway. La dirección de Lin-Manuel es correcta, sin que destaque especialmente (¿cuántos talentos tiene este hombre, excelente compositor, dramaturgo, actor, cantante, productor y ahora director de cine?). Destaca la actuación de Andrew Garfield, quien no solo resulta ser también buen cantante, sino que logra generar gran empatía con el personaje de Larson, que como buen artista obsesivo podría resultar insoportable, a pesar de que la película destaca sus virtudes y disimula sus defectos, como todo buen homenaje. Al ser una película que habla sobre el propio medio del entretenimiento tendrá una buena racha en la época de premios.

(2021) EE.UU.
DIRECCIÓN Lin-Manuel Miranda
GUION Steven Levenson basado en el musical de Jonathan Larson
FOTOGRAFÍA Alice Brooks
CANCIONES Jonathan Larson
REPARTO Andrew Garfield, Alexandra Shipp, Robin de Jesus, Bradley Whitford

Wes Anderson al cuadrado

El icónico director texano Wes Anderson entrega su largometraje número 10, que se vuelve inmediatamente un imprescindible de este director, aunque quizá no apelará al público menos familiarizado —o menos entusiasta— con su obra. El marco narrativo es periodístico: una publicación especial de un diario de Kansas —mezcla de The New Yorker y The Paris Review— establecida en una ciudad francesa imaginaria a mediados del siglo pasado. La trama sigue los textos, también ficticios, del último número de esta publicación: una descripción costumbrista de la propia ciudad sede, Ennui-sans-Blasé (literalmente «hastío y aburrimiento»), el repaso de la obra pictórica de un asesino convicto cuya musa es una de sus guardias, la cobertura de un movimiento estudiantil y su pareja protagonista, y el relato del secuestro del hijo del jefe de policía y la intervención de su talentoso cocinero.

Todos los elementos andersonianos están aquí y en su máximo esplendor. El elaboradísimo diseño de producción, la estética simétrica, marcados movimientos de cámara, juegos con la relación de aspecto, dioramas teatrales de los espacios, personajes cómicamente impasibles, niños formales como adultos y adultos inmaduros como niños. Hasta un segmento de animación, claro homenaje a Hergé, en el tercer acto siempre cargado de acción en las películas de este director. También hay innovación, pues el estilo tan colorido del cineasta esta vez se adentra en el blanco y negro —para todas las escenas que están mostrando los textos, es decir, la mayor parte de la película— y no solo no pierde su estilo, sino que lo remarca y lo hace especialmente bello. Otra estupenda innovación son los planos «congelados» sobre los que se hace un travelling mientras todos los personajes intentan estar inmóviles.

Si de algo peca esta exquisita película sería de un exceso. Puede decirse que es demasiado Wes Anderson. Si el director no fuera quien es y tan aclamado, no le habrían producido una película como ésta: episódica, carente de una trama fuerte y por tanto de cierta emotividad (lo cual hace que no sea de las mejores del director) y que es sobre todo una gran recreación estética, repleta de referencias cinematográficas (muchas del cine europeo, lo que quizá explique también los desnudos artísticos, los más extensos de las películas de este director hasta ahora) y sobrecargada de diálogo, de elementos en pantalla y hasta de estrellas de Hollywood: uno se despista y se pierde los casi cameos de actores de la talla de Christoph Waltz.

A esto hay que decir que parte del disfrute de esta cinta son las actuaciones, tanto de los habituales del director —desde su «musa» Bill Murray y su amigo Owen Wilson hasta el rostro impávido de Frances McDormand o la voz de Anjelica Huston— como de rostros protagónicos con los que trabaja por primera vez: ¿qué mejor presidiario genial y loco que Benicio del Toro o qué mejor estudiante ingenuo que el omnipresente Timothée Chalamet? Véanse más nombres del elenco al final de este texto, pues casi de todos habría algo que decir. Un disfrute, en fin, en primer lugar para los entusiastas de este director —como el que esto escribe— y para todo el que quiera gozar el cine por el cine, con todos sus elementos. Si bien, no es de extrañar que cualquiera que se tope incautamente con esta película pueda cuestionarse, y se lo respetaremos, ¿qué tanto le ven a Wes Anderson?

(2021) EE.UU.
DIRECCIÓN Wes Anderson
GUION Wes Anderson. Historia de Wes Anderson, Roman Coppola, Hugo Guiness y Jason Schwartzman
FOTOGRAFÍA Robert D. Yeoman
MÚSICA Alexandre Desplat
REPARTO Bill Murray, Owen Wilson, Benicio del Toro, Léa Seydoux, Adrien Brody, Tilda Swinton, Frances McDormand, Timothée Chalamet, Lyna Khoudri, Jeffrey Wright, Liev Schreiber, Mathieu Amalric, Steve Park, Willem Dafoe, Edward Norton, Saoirse Ronan, Elizabeth Moss, Jason Schwartzman, Lois Smith, Tony Revolori, Christoph Waltz, Anjelica Huston

Desaparecidos

Esta ópera prima de la mexicana Fernanda Valadez fue la gran ganadora en los Premios Ariel, los Oscares mexicanos. Cuenta la historia, descarnadamente real aunque ficticia, de una madre que busca a su hijo adolescente desaparecido cuando se proponía cruzar la frontera ilegalmente hacia Estados Unidos. Como han hecho muchas mujeres en el México rural, la protagonista sale en busca de su hijo del modo que puede, recorriendo a pie carreteras y pueblos. Con un estilo realista y contemplativo, con tomas largas y bellos paisajes, la directora y sus colaboradoras —el crew es primordialmente femenino en sus puestos principales— cuentan esta historia de un modo contenido y evitando el melodrama, hasta el punto de que los personajes pueden parecer insensibles.

Mercedes Hernández interpreta al personaje principal y la película se sostiene en ella, incluso manteniendo la cámara sobre su rostro cuando conversa con otros personajes y el sentido audiovisual pide un contraplano hasta hacerse incómodo. Pero no, la historia se fija en ella, en su frustración y su dolor, aunque contenidos y aplazados por la necesidad y la acción. Una película sosegada, a ratos hasta lenta, y sorprendentemente recatada, dentro del horror de lo que plantea, pues no muestra la violencia, ni falta que hace. Se apoya en su narrativa, en sus escenarios reales, en sus actores no profesionales —con excepción de los dos protagonistas— para contar algo en un estilo casi documental, aunque con un final narrativamente satisfactorio: vale la pena llegar a él. El Papa Francisco dijo alguna vez en una entrevista que «el diablo le tiene bronca a México» y al final esa es la tesis de esta película. El mal y el sinsentido a veces no tienen otra explicación.

(2020) México
DIRECCIÓN Fernanda Valadez
GUION Fernanda Valadez y Astrid Rondero
FOTOGRAFÍA Claudia Becerril Bulos
MÚSICA Clarice Jensen
REPARTO Mercedes Hernández, David Illescas, Juan Jesús Varela, Ana Laura Rodríguez, Armando García, Laura Elena Ibarra